La casa, la calle, la cocina

Este es el título de la exposición que Martha Rosler presenta hasta el 12 de abril en el Centro de Arte José Guerrero de Granada [¡ay Graná!]. Se trata de la división literal de cada una de las plantas del Centro en cada uno de los espacios del título de la muestra. En la casa nos habla del lugar de refugio de la familia, la calle como el cambio continuo y la cocina como el espacio ocupado tradicionalmente por la mujer.

Apoyada en las fotografías, los collages... nos adentra en un universo que no parace lo que es, que mezcla las casas lujosas yanquis con las imágenes más crudas de la guerra de Vietnam, que intercala la jerga de los habitantes nocturnos de París con calles de comercios cerrados con la caída de la noche, la mujer como objeto en la pornografía...

Puede que la técnica, el acabado no sean muy interesantes o parecen anclados demasiado en los años 60/70, pero esta feminista refleja muy bien esa delgada línea entre el espacio público y el privado, juega con los roles, sobre todo el asignado tradicionalmente a la mujer, critica la sociedad de consumo. En definitiva una mezcla de arte, sociología y documento histórico.

NOTA1 Peri, como siempre, la estancia en Granada más que genial, con ganas de volver yaaaa

Fresh, Fresh!!

Aunque no pudimos ir a la inauguración por overbooking, creo que mereció la pena pasarse unos días después porque más allá de lo conocido de la galerista y de encontrarse con los jóvenes madrileños lo interesante de La Fresh Gallery son sus obras, bueno la dueña también tiene lo suyo y es que Topacio Fresh, es genial, en los 15 minutos que estuvimos allí nos comentó la exposición, nos invitó a próximos eventos, nos pidió disculpas por esto y por aquello, acostumbrados al rancio ambiente galerístico qué bueno un soplo de aire "fresco".

Comienza su andadura con un showroom [vamos un popurrí] de jóvenes creadores, allí hay fotografías de Slava Mogutin del que os hablé hace poco y que nunca falla, siempre con esa homoprovocación, el geometrismo de Héctor Orruño casi electrizante, la delicadeza de Roberto Moreno, el misterio de Alberto de las Heras, el descubrimiento pictórico de Patt Kelly [ejem ejem], Rubenimichi [descubrí que Michi fue ligue, novio o no sé qué del Peri] y así hasta quince artistas reflejo perfecto del arte del siglo XXI.

Me gustaría destacar a Aitor Saraiba del que había visto trabajos en internet y me habían hablado de él pero no había visto nada en directo y me encantaron sus dibujos, el empleo austero pero acertado del color, las historias que encierran, estoy encantado [lo quiero para Reyes...]. Y también la obra de Jaro, que no es otra cosa que un tiazo casi bordado en el lienzo, algo deshilachado que imagino evoca la construcción tan frágil de la masculinidad en nuestra época.

Lo dicho, visita obligatoria, además del buen trato los precios más que razonables.

LA FRESH GALLERY

Conde de Aranda, 5 - MADRID

Atracón galerístico [two]

Mmm continuando con el empacho, el día siguiente no fue menor, incluso conocimos el lado más ingrato de las galerías, es decir, las maricas estiradas que van de modernas y no se dan cuenta de que estar en la puerta de una galería es lo mismo que ser cajera de Carrefour, afortunadamente solamente fueron dos ;)

Esta vez cayó Gonzalo y se sumo el Peri, Nacho continuaba imbatible, yo acabé mareado. Pasamos en primer lugar y bien tempranito por la Galería Javier López, una cosita modesta, pequeña y un poco confusa, aunque nos divertimos tratando de averiguar de quien era cada cuadro [apenas una decena] con el papelín que nos dieron, obras centradas en la abstracción y con el color como tema común.

De ahí no sé donde fuimos pero estuvimos en Evelyn Botella una galería con unas instalaciones estupendas con tres enormes ventanales a la calle Barceló, que ufff, mira que me gustan pero yo hubiera sacrificado la galería y hubiera montado una casa del té o algo parecido... El artista expuesto es Eduardo Gruber [sus 9 últimos cuadros], una de las exposiciones de este recorrido que más me gustaron, por la mezcla de la abstracción y lo realista, por el toque informalista, por la buena factura y empleo del color.

La galería Luz&Suárez del Villar dedicada al arte cubano pasó sin pena ni gloria y en Astarte nos dejamos llevar por la curiosidad y originalidad de las obras de Olga Simón que con una gran dosis poética encerró escritos en moldes con agua, los congeló y después fotografió el resultado, atrapante.

No podían faltar dos míticas la Marlborough [inmensas instalaciones] con lienzos de Juan Correa IMAGEN POST que de nuevo mezcla lo abstracto, con cierto figurinismo y un empleo del color magistral con muchas influencias asiáticas, y con la obra en papel de Alejandro Corujeira que se nos escapó un poco. Y Soledad Lorenzo con una muestra de Tàpies que nunca falla, que me volvía loco en la adolescencia pero que con el paso del tiempo cada vez me deja más frío [tanta repetición].

Alguna más se me olvida pero ya sabéis si pasáis por Madrid llamar a Nacho os lo enseña todo en un pliqui [no malinterpretar].

¿No quería sopa?

Pues toma tres tazas... Y es que el viernes me hinché de arte con el Peri [¡a ponerse bueno!], estuvimos en la galería La Fábrica viendo las fotografías de Chen Chieh-Jen me gustó por lo irreal [escenarios destruidos teatralizados por él] dentro de lo real ya que uno de los fotografiados en un sin techo o amigos del artista que tienen que trabajar duro para poder pagar sus alquileres. Más por el espacio, que no lo conocía, que por la exposición de Mireia Sentís, me gustó al visita a la Galería Moriarty [aunque odio llamar a un timbre para entrar] pero me gustó el local y esas paredes tan blancas [añorando viejos proyectos].

Pero lo más aprovechado de la tarde [a pesar de no atendernos en la cafetería] fue la visita a Caixa Forum Madrid que parece que por fin se arriesgan con el arte del siglo XXI aunque venga de la China o de chinos fuera de la China. Y es que me sorprendió gratamente la exposición La Escuela Yi [Treinta años de arte abstracto chino] que centra su creación en la conjugación de arte y contemplación, meditación, la relación del artista y su entorno, etc. etc.

La conclusión de todas estas técnicas es que estos artistas apartados parece del mundanal ruido llegana a la misma posición que los artistas occidentales, es decir, informalismo, cubismo, expresionismo abstracto... es muy curiosa esta observación, ver como reflejan las vanguardias y después leer que estaban en un mundo paralelo [algún libro leerían].

Me gustaron las instalaciones de Qin Yufen con decenas de abanicos chinos bocabajo [Viento mudo, 2006] y la de Wang Nanmign [Bolas de caligrafía, 1992] por mi obsesión de la acumulación rítmica de objetos. Pero además de pinturas que se repetían me quedo con la obra-instalación-inmenso lienzo de Zhang Yu de título El rastro de huellas dactilares [2007] que presenta dos papeles colgados de techo a suelo y marcados por hendiduras hechas por los dedos del artista como recuerdo de las experiencias vividas. Inteligente.

Lo contemporáneo también aburre [a veces]

Pues ayer ya por actualizar el blog y porque ha venido el Peri, nos dimos un paseíto en busca de exposiciones y no sé si porque no tenía el día, porque estoy hartito de mi trabajo [¡huerta ya!] o porque las propuestas no me gustaron [raro en mí]... pero me aburrí.

Primero pasamos por la Fundación Telefónica para ver una exposición de fotografía campestre [no diré de naturaleza porque hay quien dice que la ciudad también es naturaleza] de Axel Hütte. Su singularidad según la reseña de la propia galería dice que lo novedoso está en que este artista sigue apostando por los paisajes a pesar de no ser algo habitual en el arte actual [¿será porque ya hemos visto demasiados en otras épocas?]. Son instantáneas enormes para una sala enorme, fotografías de reflejos en lagos, ríos y demás variantes...

De ahí y ya creo que menos receptivo por la desilución tiramos para el Círculo de Bellas Artes [por más años que lo lleve viendo me gusta, el edificio, por fuera y por dentro] y allí había tres exposiciones, nuevas decepciones.

La primera que vimos fue una colección de fotografías [1983-2008] de Mireia Sentís IMAGEN, un popurrí de diferentes series donde lo más destacado pero también algo trillado eran primeros planos de genitales de ambos sexos [¿no hay más que dos?] cubiertos con joyas, no lo entendí demasiado bien, algunas fotos de ciudades interesantes y poco más. En una planta intermedia y de camino a ver a Dubuffet pasé rápidamente a Lenguajes de papel una recopilación de obras del siglo XX cuyo nexo de unión es el uso del papel como soporte, nada más entra un tríptico de Bacon que nunca falla y a partir de ahí Tàpies, Feito, Saura, Palazuelo, suma y sigue.

Y una vez en el sótano Dubuffet o el idioma de los muros, por esta exposición quería acercarme al CBA pero resultó estar en la sala más pequeña con unas cuántas litografías que servieron de ilustración a unos libros. todo muy negro, muy gris y yo esperaba el colorido de siempre.

Será el otoño, será la lluvia, será que Madrid se está volviendo más conservadora...

Y vuelta a laborar

¡Nooooooooooo, vuelta al trabajo, encima entra el otoño, hace fresquete y llueve!, ¿qué más?

Las vacaciones geniales: redescubriendo Palencia, Santander y Asturias... sidra de la buena, comida de las mejores y compañía extraordinaria, ¿qué más?

También hubo tiempo para un poquito de arte [románico a tope], nos pasamos por la Laboral de Gijón ¡qué ganas tenía ya de visitarla!. El edificio de lo mejorcito, la verdad [y aunque suene fatal] después de tanta naturaleza me venía bien algo de irrealidad y qué mejor que un museo gigantesco con muchas paredes blancas, grandes ventanales y espacios gigantescos apenas ocupados.

Como siempre ocurre en estos centros/almacenes de arte las exposiciones son inabarcables habría que sacar un bono de tres días, pero el tiempo no daba para tanto así que atracón al canto. La mejor de las muestras para mí fue banquete_nodo y redes una propuesta que lleva años funcionando y que sirve de encuentro entre la tecnología, el arte y la sociología. Estaba conformada por más de una veintena de obras donde se hacía muy difícil pararse sin riesgo de quedarnos sin comer en el prado... la que más nos gustó fue Blanca sobre negra [2004] IMAGEN de Pedro Ortuño, un vídeo sobre unas vecinas muy simpáticas [a pesar de la vida trágica] del pueblo llamado Blanca. Por su plasticidad destaca Secuencias 24 [2008] de Pablo Armesto unos paneles muy vistosos y coloridos que representan las genética humana. El Banco Común del Conocimiento [2006/08] proponía un juego simple pero que se me complicó, escribir tres cosas que puedes enseñar y tres cosas que te gustaría aprender [os invito a hacerlo].

Homo ludens ludens es el título de la otra exposición colectiva actual que hace memoria, historia y examina el juego como una parte fundamental de nuestra historia reciente y actual. Uno que no es mucho de marcianitos pues la encontró algo aburrida aunque dar leñados a Jesús, Dios o elefantes sagrados encarnando a Buda tiene su puntito, como recuperar una de las primeras consolas y echar un comecocos... mucha tecnología, pero no sé si la muestra recoge en la práctica con lo que apunta en la teoría de vincular juego y sociología.

Íñigo Bilbao presenta una obra sobrecogedora, muy plástica, con una duración temporal exacta para no cansar y con una música excepcionalmente escogida. TAG's [2008] compuesta por una videoproyección y cinco esculturas en resina [hay un prototipo que te dejan sobar y se percibe la magia creativa], piezas realizadas con una impresora [que debe ser muy especial] a partir de unos tag's reales, alucinante.

A la salida, tras pasar por unos baños mixtos y muy originales una amable señorita te regala una sobre negro de un tacto especial con postales de algunas de las obras, ¡todo un detallazo!

NOTA1 Hicimos fotos muy chulas, pero el Peri es un poco vago y ¡nunca me las manda!

De Porto al Cairo voy

Mmm recopilando información, ya casi recuerdos, de estas vacaciones de agosto no puedo olvidar Oporto con esas plazas, ese río, esa gente, como siempre repito al volver: viviría allí desde mañana mismo y visitaría constantemente la Fundación Serralves camino de la playa.

Este museo, sino lo conocéis, es altamente recomentable el edificio de un blanco impuluto, las salas enormes de techos impresionantes y un parque inmenso, bien cuidado una Casa del Chá [Té] debajo de unos arbolitos que apetece mucho, lo mejor es que el viaje en avión te sale [desde Madrid] por poquito más de 20 euros.

En esta ocasión no tuvimos mucha suerte con las exposiciones había una retrospectiva del cineasta Manuel de Oliveira con la proyección de toda su producción, algo bastante insufrible e inabarcable o te plantas allí cuando abren el museo y pillas alguna peli al empezar o no tiene ningún sentido, lo que no pregunté es sino tienen filmoteca para este tipo de homenajes.

Había también una amplia muestra del fotógrafo David Goldbatt con el título Intersecçoes Intersectadas centradas en Sudáfrica tras el apartheid presentando el contraste entre la forma de vida de los blancos y la de los negros y con inmensos y bien fotografiados paisajes. Lo único curioso fue que la mayoría de las instantáneas estaban impresas sobre enormes papeles colgados con pinzas sin marcos ni cristales ni papel fotográfico de alta calidad, no sé si formaba parte del ritual o era falta de presupuesto por las decenas de imágenes que había.

Ya casi al salir y tras comprobar que el restaurante era imposible, nos pasamos por la librería y descubrí a un artista que al parecer había expuesto hace poco en la Fundación, el egipcio Youssef Nabil IMAGEN POST, rápidamente me detuve con el Peri a ojear el libro y es que sus autorretratos me parecen divertidos casi por lo ingenuo, la técnica creo que no es muy buena ni la factura final pero son curiosas, espero que no sea únicamente por lo homoerótico... ¡Ay en qué se está convirtiendo este blog!

El cerdeo hecho arte [+18]

Gracias a Jj y dedicada a él esta entrada ;) he redescubierto al artista, actor porno, periodista, músico Slava Mogutin que vimos en el MUSAC dentro de la exposición colectiva Globos Sondas en 2006, en principio la instalación que allí plantó, Superm, nos llamó la atención, había fotos de skaters, chicos de la calle, música, dibujos... era curioso, buenos cuerpos pero ahí se quedó la cosa.

Pero a través de Jj y del Peri he vuelto a visitar a este artista hoy y me he encontrado con alto voltaje para el verano, con lo primero que uno se queda es con los cuerpos, con los chicos eslavos, con esos torsos, esas poses, esa naturalidad y qué queréis a veces me puede el vicio. Más allá de los cuerpos perfectos la gracia reside en sus posturas, en sus gestos, saliéndose de mucho de lo que conocemos como "arte gay" donde se repiten los mismos clichés. Podríamos decir que ha elevado el "cerdeo" a la categoría de arte.

No solamente hay sexo y escenas eróticas [muchas veces de una insinuación y de un morbo casi extremo] sino que retrata a unos jóvenes rusos [Lost Boys] con un realismo y una plasticidad genial, con un empleo del color muy vivo, muy llamativo en emplazamientos degradados, consiguiendo unos contrastes que me encantan.

Muchos se quedarán con el sexo que lleva implícito sus obras [a veces más que explícito] y ya habrán disfruta del arte de este chico, pero yo además me quedo con su originalidad y con su técnica [cómo conseguirá concentrarse].

Llevo toda la mañana pensando en este artista, ¿por qué será?

+info: www.slavamogutin.com

Más real que la realidad

Parece que en cada entrada pido perdón pero es que esto de irse a vivir a un pueblo y el arte, como diría Juanji tú le abandonas un mes y él te abandona cuatro.

Ayer fuimos al Centro de Arte Fernando Fernán Gómez [léase Centro Cultural de la Villa] a ver un espectáculo de danza de un amigo del Peri, nos gustó, lo bueno si breve dos veces bueno. Pero yendo al lío y continuando con PhotoEspaña08 visitamos la exposición de Eugene Smith Más real que la realidad, una serie de colecciones de fotografías de los años 50 realizadas en su mayoría para la revista Life.

La más interesante para mí, por la simpleza de la cercanía, es la dedicada al pueblo español en genérico pero centrado en un pueblo de Extremadura en 1950. Son calles sin asfaltar, mujeres rudas, hombres de campo, niños descalzos y mucha pobreza. Otras dedicadas a desastres naturales, a una comadrona, a un médico... por lo que he leído de las mejores colecciones de este artista.

A pesar de que el texto del catálogo exalta la capacidad de Smith para mostrar la "auténtica" realidad, su cuidado en cada toma y ampliado, a mí me parece que muchas de las instantáneas estaban más que preparadas y me hace gracia siempre que leo que cada toma estaba totalmente estudiada, medida, reflexionada... no puede ser que sea así y que en un mismo año tenga una producción inmensa de fotografías, fotografías además tomadas al aire libre con lo que la esponteneidad es lo que cuenta no tanto la mediación, digo yo... ;)

No soy muy amanta de la realidad en general y tampoco aplicada al arte, como muestra sociológica son muy interesantes, algunas estaría mirándolas tiempo y tiempo, como la de este post que me pareció la mejor... eso sí el Centro de Arte que no había visitado antes, o no lo recuerdo, genial: buena iluminación, grandes espacios, agradable temperatura.

Todo es de cartón

Después de ver a la asesora Rosa, el señor Peri y un servidor queríamos ver algo de PhotoEspaña y tampoco nos fuimos muy lejos, nos acercamos a la Fundación Telefónica que ha cambiado la ubicación de sus exposiciones y los guardias casi te llevan cual borreguito hasta la nueva y enorme sala.

Al entrar lo primero que noté es una gran frialdad, fotografías enormes, limpias, bastante planas, colores apagados, un ruido que no cesa de fondo, pero sabes que por ahí algo tiene truco, que no todo es tan simple como parece y así es, Thomas Demand en la muestra Cámara nos adentra en un juego visual de escenarios reconstruidos a modo de realistas esculturas fotografiadas hechas totalmente con papel y cartón.

Ahí no queda la cosa y quizás lo más curioso, además del enorme trabajo de construcción de estas piezas a escala real, es que recrea espacios que han tenido una gran difusión mediática como el puente donde se estrelló el coche de Diana de Gales [vídeo del que procede el ruido de toda la sala], la cocina donde permaneció escondido Sadam Hussein en 2003 durante la invación yanqui o la oficina donde se recontaron los votos de las polémicas elecciones de EE.UU. en 2000.

Según he leído en el catálogo este alemán pretende jugar a lo real a través de lo imaginario, lo natural o artificial, a mí me ha recordado a aquello de Magritte de "esto no es una pipa".

Echando cuentas

Como sino tuviera bastante con levantar tempranísimo para ir a currar y después darme la paliza con todos lo exámenes y trabajos variados de la carrera hoy me he puesto a echar cuentas del desembolso que tiene que hacer una galería para participar en algunas ferias nacionales, sí parece que me aburro, pero todo viene a cuento de algún proyecto que tenemos entre manos, ¿no Peri?. Pues ahí van las cifras para 2008/2009:

- ARCO [Madrid], lo más de lo más: stand más pequeño de 65 metros cuadrados 17.387,5 + 1712 por la inserción obligatoria en el catálogo. Total: 19.099,5 €, sin contar con seguros. Aunque aquí lo complicado no es el capital sino ser seleccionado, tarea casi imposible.

- DeARTE [Madrid]: stand de 40 metros + catálogo: 7.000 €

-FIART [Valencia]: stand 40 metros por 6.000 € + catálogo 300 + seguro 50, en total 6.350€, bueno vamos bajando

- PURO ARTE [Vigo]: stand de 32 metros por 3.840 + inscripción 300 + catálogo 300 + seguro 60, en total 4.815, esto de salir de las grandes ciudades viene bien

- ArtJAÉN: siempre hay algunas gangas, parece que el stand te lo regalan porque no vi sus tarifas por ninguna parte, pero sí te meten un seguro de 30€ + catálogo 220 + inscripción 250... buenas ofertas

Supongo que a los galeristas se les quedará la cara como a las esculturas de este post, tienes que ser muuuu rentable como galerista o contar con alguna subvención para participar en estas ferias aunque según he leído cerca del 40% de las ventas del año de una galería en producen en estas ferias que apenas duran unos días.

¡A invertir!

I love León & ¡qué lucerío!

Terminando con esta ronda por León y esperando noticias, os reseño la obra de de Cerith Wyn Evans, un británico algo obsesionado con las chandeliers. Curiosidades de la vida no hace ni un par de años, en otra de las muchas visitas al Musac, el Peri se enamoró de una lámpara de este tipo y dicho y hecho al llegar a Madrid compró una y luce bonita en Malasaña City, casualidades de la vida o ¿este chico es un artista? ;)

Pues Wyn Evans nos presenta en ...visibleinvisible una impacte instalación con 7 de sus lámparas, de un diseño espectacular con diversos cristales, formas, colores, tamaños... pero todas con una misma misión: transmitir textos filosóficos, poemas y otros textos previamente codificados en Morse a través del encendido y el apagado de sus bombillas . Algo lioso pero muy inteligente y visualmente muy atractivo, crea un espacio que te envuelve.

Muy interesante esta nueva experimentación con los sentidos, como siempre me gustan las vueltas de tuerca [con razón mi antiyó dice que vivo en un mundo feliz].

NOTA1 Finalmente no pudo ser, ni MUSAC ni León, pero estoy muy contento me quedé cerquita cerquita cerquita, muy cerquita y con toda la gente que se presentaba es un honor, además he recibido palabras muy bonitas desde el museo... así que tengo más claro que nunca que me quiero dedicar a esto... muchas gracias por todos los ánimos y ¡¡mucho arte!!, contemporáneo claro ;)

I love León & Blanca Li

Por fin llegó el día y allí que marché a León con el Peri, fue una escapada relámpago pero bien aprovechada, con morcilla frita incluida... Llegué a la entrevista tranquilo hasta 5 minutos antes en que el nerviosismo fue en aumento, tartamudeé ante Rafa Doctor y otros 3 responsables del Museo, aún así salí contento, creo que se me notan las ganas, las enormes ganas que tengo de trabajar allí, supongo que la suerte está echada, aunque sigo reclamando energías para que todo acabe como quiero: trabajando en el Musac y viviendo en León. Gracias por los ánimos.

Después de unos paseítos y unos gritos, por aquello de relajar tensión, pasamos a ver las exposiciones que estarán hasta el 4 de mayo y me encontré con una artista que añadir a mi lista de favoritas, la granaína Blanca Li, que con el macroproyecto Te voy a enseñar a bailar, esta coreógrafa nos adentra en el uso del cuerpo como medio de expresión, como soporte artístico, tendencia que como he comentado en los post dedicados a los chinos allí tiene mucho tirón pero que en Europa se está perdiendo poco a poco a favor de medios tecnológicos.

En este recorrido donde encontramos video-arte, video-instalaciones, esculturas en forma de aparatos de gimnasia o aparatos de cocina, nos colamos en el universo Li donde ella misma protagoniza todas las obras que nos encontramos, donde no solamente el cuerpo sino la voz son importantes. Podemos hacer gimnasia con ella proyectada a tamaño natural y con chándal rojo, aprender a hacer paella con Loli y Dolly [desternillante vídeo] o pollo a la cazuela [enterito, sin deshuesar ni nada], o realizar una tabla de ejercicios mientras planchamos.

En otra de las salas esta polifacética creadora nos introduce en el mundo del rap, del hip-hop pero también del flamenco [ahí me ganó] con vídeos de una muy buena factura, con una estetica muy cuidada, aunque me atrae más la improvisación de una serie de piezas en las que Blanca Li juega, se pelea, interactúa con una serie de sillas en las que trata de sentarse pero le es imposible por su extraña disposición, y todavía más interesante es otro vídeo en el que en un diván de psicólogo cambia las palabras con gestos, por movimientos no quedando únicamente en la gracieta tipo Pepe Viyuela sino buscando la conexión con él público, la complicidad.

Todo esto acompañado de un montaje excepcional. Seguiré su pista.

Hecho un pincel

Antes de estas largas vacaciones, en las que me dediqué a otros menesteres más que al arte [gracias Peri, gracias Adri], me llegó un correo del artista que ahora os presento y que hasta hoy no he podido revisar y me ha dejado bastante impactado, después de ver este vídeo estoy con la boca abierta, me parece muy valiente que Nicolas Spinosa muestre de forma tan natural, tan de verdad su proceso creativo, reconozco que no hay nada que me hipnotice más que alguien haciendo trabajos manuales, me da una serenidad plena, pero ya si es un artista el nivel es superior y no puedo parar de mirar el vídeo.

Creo, y vuelvo a ser romántico, en el aura de la creación, del instante en que nace una idea y el artista la plasma, y Spinosa lo envuelve todo sin duda de un ritual, que quiero imaginar no fortuito, interesantes son sus resultados, aunque para mí prevalece el proceso.

Supongo que os recordará a algunas de las performances de los 60, al informalismo [veo a Tàpies por ahí], al body painting, a mí me ha llevado a una de las obras que más me gustan de Paik Zen para cabeza.

Nicolas rescata la utilización del cuerpo como herramienta que actualmente se utiliza mucho en el videoarte, pero que se había perdido en la pintura, aunque con esto del vídeo digital creo que la obra de este artista traspasa el lienzo, el papel... ¿acaso no es vídeoarte el vídeo que ha colgado en su página?

Me quedé en blanco

Creo que fue el año pasado, cuando en una de las visitas al MACBA la obra que despertó más mi atención fue una enorme pared blanca, una más del edificio, que como todas estaba pintada de blanco, sino es porque la visita era guiada hubiera pasado totalmente desapercibida.

Gracias al último número de ARTECONTEXTO, he podido recuperar el recuerdo de esta obra y reconocer la genialidad del artista, Isidoro Valcárcel Medina, que dedicó 9 días a pintar la superficie como si de un lienzo se tratara, blanco sobre blanco, con un pincel del número 8 a sus cerca de 70 años y con frases tan bonitas como "para mí, el arte es la vida, una actitud, ser consciente de lo que quieres. Y de lo que no".

Pues así quiero empezar este periodo de vacaciones con la mente en blanco, sin pensar en nada, dejándome llevar, no en vano vendrá el chico más guapo de Sevilla. Adrián, y me iré a ver a Granada al chico más guapo de Madrid, el Peri, tengo suerte ¿o no? ;)

¡Sólo desear a todas/os mucho disfruto y mucho arte!

Se traspasa iglesia por cambio de negocio

Dentro de la vorágine de fiestas, risas, comidas, bebidas también hubo tiempo para descubrir nuevos espacios, hoy que leo en El País que sitios insólitos como una vieja imprenta o un tanatorio alberguarán nuevas creaciones yo he descubierto mi propio lugar insólito: la Iglesia de Santa Lucía del siglo XIV en Sevilla.

Da gusto que lugares destinados a unos cuantos [católicos practicantes] los podamos disfrutar todos y se conviertan en los auténticos centros de reflexión del siglo XXI [salas de arte, en sentido amplio], debería cundir el ejemplo con el resto del patrimonio eclesiástico.

En este caso la iniciativa es doblemente interesante y para mí acertada ya que el espacio, rebautizado como Iniciarte, se dedicará a la promoción de los llamados artistas emergentes andaluces a través de diversas convocatorias públicas.

Actualmente presenta la exposición Kiss the fire de la sevillana María Cañas [1972], una elección muy apropiada que conjuga a la perfección obra y escenario. Vemos el interior de la iglesia completamente vacío con 5 pantallas gigantes que cubren el altar, los lados de la nave central, el rosetón... con la proyección de imágenes casi fantasmales, grandes fuegos, juegos de palabras, fragmentos sacados del cine... en total son tres instalaciones que se recrean en el amor, el desamor y el erotismo.

Si tenéis la oportunidad deberíais visitarla ya que se crea una atmósfera muy especial, algo de magicismo, aquello que algunos artistas llaman aura que envuelve al visitante, sobre todo si, como en nuestro caso, tienes el lujo de no cruzarte con ninguna persona más.

NOTA 1 Feliz Año 2008 a todas/os, estoy convencido de que irá genial

NOTA 2 Peri y niños sevillanos gracias por todo, me hacéis sentir muy agustito. Por muchos años más...

Blanco y negro, el color de la carne

Paseando por las estrechas callejuelas del mercado árabe, cayendo en la tentación del pañuelo palestino, escuchando a tres guitarristas de flamenco y divisando la catedral me encontré con el Centro José Guerrero en Granada.

Como era puente y ese día no había ido a trabajar el señor que cobra la entrada me dejaron pasar de gratis, tampoco había mucha clientela... No sabía que exposición había, aunque después recordé que el Peri me había hablado de ella, el título sugerente e ingenioso: Los colores de la carne, a pesar de que todas las fotografías están ampliadas en blanco y negro. La muestra habla de la prostitución, de las prostitutas y sus clientes, del travestismo, de barrios chinos, de burdeles... visto todo desde la marginalidad.

En la entrada nos encontramos con una amplia habitación con una serie de instáneas de diversas camas con el aspecto de haber sido usadas unos momentos antes, acompaña a la instalación un neón rosa con la palabra Edén. La obra pertenece a Alicia Lamarca que en este mismo año se dedicó a fotografiar las camas usadas por los hospedados en el hostal Edén de Benidorm.

Del resto de la exposición destaría los retratos que Paz Errázuriz realiza a los hermanos Evelyn y Pilar Paredes y su entorno, dos travestis en el Chile de Pinochet. Son retratos de miseria, de barrios pobres y de violencia que realizó a finales de los 80.

Dando una vuelta de tuerca [que tanto me gustan] se encuentra la periodista Elisabeth B, que también en la década de los 80, decidió hacerse pasar por una chica de un peepshow en Nueva York, se comunicaba a través del teléfono con los clientes que se situaban en una cabina mientras ella les fotografiaba sin su consentimiento, lo que le costó serias amenazas, vemos que por allí pasaba gente de todas clases.

Es una perspectiva trágica del mundo de la prostitución, de la mezcla con esas carencias económicas, con ojos tristes, sensación de abandono. No sé, quizás habría que darle la vuelta y arriesgando sacar el lado lúdico de algo que parece tan oscuro, será en otra exposición.

Sumergidos en el arte-Valium

En el actual número de la revista de arte contemporáneo ARTECONTEXTO dedican un intersante dossier a La enseñanza de las artes visuales, del que ya hablaré en más profundidad, de momento en esta serie de artículos he encontrado una de las definiciones más valiosas para un fenómeno cada vez más creciente a escala global: el turismo cultural y la programación cultural como macroespectáculos.

La definición viene de la mano del director pedagógico de la 6º Bienal del Mercosur, Luis Camnitzer que dice "el maestro debe pasar de una posición en la que ostenta el monopolio del conocimento a la de agitador y catalizador. Las intuiciones son impredecibles y por lo tanto traen consigo el riesgo de lo subersivo, dado que no siempre se ajustan a los dictámenes del status quo. En vista de que últimamente los gobiernos han decidio que la subversión y el terrorismo son sinónimos, nadie quiere generar actos subversivos. Pero la función del buen arte es precisamente la de ser subversivo. Remueve los paradigmas fosilizados y pretende expandir el conocimiento. El énfasis en la producción de objetos efectivamente pasa por alto estos elementos. Las estructuras existentes están consolidadas y la sociedad, pacificada y aburrida. Este enfoque genera arte-Valium".

No sé si el concepto arte-Valium lo inventó este artista pero me apropio de él a partir de ahora, lo resume a la perfección.

Además en este artículo añade que la mayor parte de la educación artística actual es un fraude y que la definición actual de arte atenta contra los intereses de las personas. Hablando clarito.

NOTA1 Peri esta semana, como siempre, genial, gracias. En Madrid hace hoy un frio que pela...

Videocreaciones a la cartujana

De nuevo embarcado en las locuras del Peri nos plantamos en en un momentito en Sevilla, gracias al AVE del Juanji, con ganas de sol, de paseos, de buenas energías y de ver la exposición Geopolíticas de la animación de la que algo había escuchado.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que alberga la muestra hasta el 31 de marzo del año que viene, definitivamente es uno de los más espectaculares que he visto, por su ubicación en La Cartuja sevillana, por la mezcla de la tradición y la modernidad y por esos jardines y arquitectura impresionantes.

Como siempre pasa en el videoarte creo que a los comisarios se les va la mano, es imposible poder ver a los 55 artistas que componen la exposición y sus propuestas en un día normal de visita al museo, no hay margen ni a la reflexión ni tan siquiera al visionado completo de los vídeos. Esto no excluye que en este caso se haga una panorámica a mi juicio muy acertada de la animación desde sus comienzos hasta su evolución y mezcla con el videoarte.

El comisario Juan Antonio Álvarez Reyes ha reflejado perfectamente las características del arte del siglo XXI en los vídeos seleccionados como la multiculturalidad con gran cantidad de artistas asiáticos o africanos, la globalización, el sentido del humor como centro de muchas propuestas, el empleo de las últimas tecnologías aplicadas a la creación, buenas ideas desarrolladas con escasos medios, la ecología, las guerras, la crítica a los media, etc., etc.

Podría destacar muchas obras, pero para no aburrir destacaré tres por su originalidad, el impacto que provocan y el conocimiento de la técnica.

En la primera de la piezas a resaltar nos remontamos al año 1902 con el español Segundo de Chomón y su vídeo Los kirikí, acróbatas japoneses, donde una familia nipona [o disfrazados de nipones] hacen equilibrios circenses imposibles pero con truco, gracioso e ingenioso para la época. El segundo trabajo que quiero destacar es un conjunto de animaciones hechas en plastilina del que podemos ver tanto el resultado final, el vídeo, como las maquetas originales en las que se rodaron las piezas bajo el título La multitud de los transeúntes [2004] del chino Zhou Xiaohu. Un trabajo imposible con escenas en las que intervienen hasta 50 personajes, realizado frame a frame, tratando temas de actualidad como el atentado contra las Torres Gemelas o una redada en un prostíbulo.

Y por último la más divertida, la más original, donde lo pasamos como niños pequeños y donde me reconcilié con el arte interactivo que tan nervioso me pone, la obra Sin título [2006] de la india Shilpa Gupta. Una sala cuadrada, una pantalla en blanco, máximo tres personas, al entrar tu silueta se proyecta en la pared y empiezan a salir personas ficticias de un lado y de otro, a interactuar con el espectador hasta tal punto de poder dirigir aun mini-yo como si fuera una pelota que va de una mano a otra.

Podría extenderme mucho más en artistas y en obras, quizás en otros posts rescate a algunos, la sensación es la de una buena muestra, la de un ambiente propicio para su montaje, y la de faltar tiempo para disfrutarla más.

NOTA1 Gracias de nuevo Peri por estos viajes, por tu compañía. Me gustó mucho volver a ver a Adrián, me hace sentir a gusto, espero que vengan muchas más. Yo ya he puesto una velita...

¿Sabias palabras?

Dejaré aquí los extractos que he elegido de una entrevista realizada al director de uno de los museos para mí mejor gestionados de nuestro país Manuel Borja-Villel, director del MACBA y recién nombrado presidente del Comité Internacional para Museos y Colecciones de Arte Moderno [Cimam], algo así como un comité de empresa para los profesionales del sector.

Sus reflexiones:

> "Hay una preocupante tendencia a convertir al director en gestor, por lo que prevalecen valores y prácticas que no proceden de la estructura educativa. No tengo nada en contra de los gestores, pero un museo debe ser dirigido por académicos e intelectuales."

> Sobre su papel en el Cimam: "Es fundamental crear estructuras autónomas que no estén basadas en valores mercantiles. Queremos impulsar la redacción de un código ético que impulse el papel del museo al servicio del público"

> "Los museos deben tener autonomía e independencia en relación con la política y la economía y, siendo estructuras públicas, no deben adoptar los valores de eficiencia y ganancias de las privadas"

> Sobre la participación de Ferrán Adrià en la Documenta: "Lo negativo, el narcisismo y la autocomplacencia, del que Adrià es parte. Es una burbuja mediática, y el mundo del arte lo ha considerado una tontería."

Sin duda palabras, para mí, sabias pero irrealizables, lo bueno es que este tipo de reflexiones vengan de parte de una persona con peso realmente en la escena artística actual de nuestro país.

NOTA1 Entrevista recomendada por el Peri y ya de paso le dedico el post ;)