¿Qué material empleó el artista en esta obra?

Pues sí para que andarnos con rodeos, el artista madrileño Santiago Sierra realizó esta instalación de mierda, mierda humana pero no de cualquier sitio sino de los habitantes de Nueva Delhi y Jaipur.

La instalación compuesta por 21 módulos idénticos expuestos actualmente en la galería Lisson de Londres tiene un trasfondo de denuncia ya que son excrementos recogidos en esas ciudades indias por los trabajadores del moviento sanitario Sulabh International of India que desde la infancia se ven obligados a realizar esta tarea en compensación por la maldad que ejercieron en otras vidas. Fuertecito, ¿no?.

Este artista poco conocido en nuestro país ha llevado sus excentricidades por medio mundo, entre las más polémicas están introducir cuatro coches con los motores en marcha en una galería; cerrar la sala donde se iba a producir la inauguración de su exposición dejando a los invitados fuera; comprar el león de oro de la Bienal de Venecia a su ganadora en 2005 para después revenderlo o llenar una institución pública alemana con 53 metros cúbicos de barro.

Confieso que le he descubierto esta misma mañana y le estoy dando un buen repaso a su página web, como siempre: ¡Viva la creatividad aplicada a la denuncia y a la provocación!, sin convertirlo en un espetáculo de los media que es lo que suele ocurrir.

NOTA1 Mmm las porras con chocolate de las 7 fueron geniales y la noche más todavía ;)

El arte curativo de Bill Viola

Hoy seré escueto, ayer comencé a leer el libro Bill Viola: las pasiones [2004] que ya desde la primera página me enganchó: "el arte puede tener una función curativa" y añade "lo que está en la pantalla puede pasar a formar parte del proceso vital, puedes filtrarla en tu cuerpo y puedes tomar estas cosas y usarlas". Totalmente de acuerdo con este genio del videoarte, igual pasa con la literatura, el cine... lo interesante es llevarte algo de esas experiencias y aplicarlo a tu vida.

Además este creador no concibe su obra para la decoración, ni para la educación sino para la transformación. Ojalá todos los artistas trabajaran en esta dirección. A mí me parece la más acertada y la más comprometida.

También ayer descubrí un nuevo fenómeno que tiene más que ver con el mundo blog que con el arte, se trata de Twitter un sistema de micropublicación cuya interacción consiste en responder a la pregunta ¿qué estás haciendo? en 140 caracteres como máximo. Os dejo el enlace aquí yo seguiré leyendo ;)

¿Arte industrial crítico?

Animado por Paco y Pedro [anda que me tenéis contento] me acerqué al último día de la exposición del artista japonés Murakami [Tokio, 1963] en la Casa Asia un espacio que me gustó bastante aunque me esperaba, por su página web, algo cuanto menos más espacioso.

Murakami es toda una revolución en el arte japonés, se declara admirador de Bill Gates y trabaja para Louis Vuitton IMAGEN POST, además su compañía Kaikai Kiki Ltd realiza una producción industrial de su obra que vende en todo el mundo, desde sus dibujos hasta sus peluches, llaveros, comics o mini-muñecos. Entre sus curiosidades están que utiliza hasta 500 colores para realizar sus esculturas o que cuenta con los mejores artesanos litográficos de la tradición asiática.

En esta muestra presenta una serie de litografías [ver en web Casa Asia] llenas de color, de figuras aparentemente alegres aunque con gesto agresivo, florecillas sonrientes, personajes que podrían protagonizar cualquier serie infantil, mezcla de manga y anime, agrio sentido del humor...

Con todo esto pensaríamos que es un artista cuya obra nos acerca a la frivolidad, al mercado puro y duro pero si nos paramos a ver el documental que también proyectan en esta exposición nos damos cuenta que dentro de esta aparecente falta de reflexión de sus obras se esconde una dura crítica contra la sociedad japonesa actual es el fenómeno conocido como Superflat [Superplano]. Unos ciudadanos que se alejan de su identidad cultural, que desde la bomba atómica se han dedicado a construir personajes sonrientes para olvidar el pasado, que frivolizan con aquel acontecimiento sin hacer ninguna crítica.

Es un reflejo, en palabras del propio artista, de la felicidad vacía en la que vive Japón.

La Mordó a lo Carrefour

Ayer después del cansacio del trabajo, de comida pseudolaboral, de un poquito de clase me acerqué a la sala Juana Mordó [quiero currar ahí ya!] atraído por la exposición Valores del diseño cotidiano que creo que no entendí.

Es cierto que no frecuento muestras sobre el diseño de mobiliario, objetos... pero a alguna he ido y ésta me pareció un muestrarío de objetos cotidianos como chalecos de seguridad, cepillos de dientes, edredones nórdicos, zapatillas, forros polares, libros... que no brillaban especialmente por su excepcional diseño, supongo que de ahí lo cotidiano pero que por el montaje [tipo casi Carrefour pero sin su atractivo de acumulación de mercancías] tan aséptico, tan ordenado, tan frío, no sé tan sin gracia no me decía nada. Eso sí es un nuevo punto de vista a las sofisticadas exposiciones de diseño.

Lo bueno es que editaron un libro de casi 100 páginas que se puede descargar directamente desde la página del Círculo de Bellas Artes. Ójala hicieran esto mismo con el resto de catálogos de exposiciones.

Salí de allí con cara de lelo, creo que no le pillé el punto.

Cuando al arte le da por sudar

Revisando una serie de artículos de El País sobre el arte digital [La rebelión del arte 10/11/07] donde se habla de la importancia de las tecnologías en las creaciones recientes y la relación entre la ciencia y el arte, redescubro un concurso, Vida Artificial que promueve Telefónica [a veces hacen cosas decentes], al que había perdido la pista y estoy totalmente alucinado de su evolución desde sus inicios hasta la actual edición [la 10.0 de la que entregan los premios este fin de semana].

Creo que muchos recordamos esa pieza que salió tanto en televisión, una especie de volcán, especie de barriga gigante que era un alucinante robot táctil que suda es la pieza Alexjtimia [2006] de Paula Gaetano IMAGEN POST. Así como una planta cuyo sistema de riego está conectado a un aparato que envía las cotizaciones de bolsa de una empresa, así recibirá más o menos agua en función de los buenos resultados económicos, es la pieza Spore 1.1. [2004] de SWAMP. O un robot conectado a la red, que analiza y da una expresión emocional a los contenidos del correo electrónico, es la obra Office Plant [1999] de Marc Bohlen.

Estas son algunas muestras que se pueden revisar en web del concurso, la verdad que tienen una documentación extensa y minuciosa, acompañada de imágenes de los ganadores de las 10 ediciones celebradas.

Es innecesario comentar que a estas alturas la relación entre tecnología y arte es obvia, y diría que inseparable. Como siempre, surge la frágil línea entre si estas propuestas son arte, son tecnología, son experimentos científicos, etc. ¿Y no pueden ser todo a la vez?

Una bienal vacía y punto

Pues sí, tal como suena, la 28ª Bienal de arte de Sao Paulo, la más importante de Latinoamérica y la segunda mundial [según algunos críticos] tras la de Venecia, ha dedicido que en octubre de 2008 abrirá sus puertas sin ninguna obra. Así el pabellón de 11.313 metros cuadrados quedará vacío y su edificio más emblemático contruido por Niemeyer albergará una gran plaza donde podrá reunirse la gente.

"La bienal responde a un modelo de exposición del siglo XIX y estamos en el XXI. Necesita una profunda revisión", son palabras de su directora artística Ivo Mesquita que busca con esta provocadora propuesta llamar a la reflexión.

El argumento anterior creo que se ve reforzado y justificado porque según sus planes y tras una mala gestión de su nombramiento no podría hacer algo a la altura de la Bienal en tan sólo 10 meses cuando sus predecesores han tenido dos años para elaborar otras ediciones. Este argumento me encanta y lo podríamos aplicar a nuestro trabajo: sino tengo ni las herramientas ni el tiempo suficiente no lo hago.

Unos verán en este argumento la dignidad en el trabajo y otros mucho morro, yo pienso que de las dos cosas hay un poquito ;)

IMAGEN: EDIFICIO NIEMEYER

Sumergidos en el arte-Valium

En el actual número de la revista de arte contemporáneo ARTECONTEXTO dedican un intersante dossier a La enseñanza de las artes visuales, del que ya hablaré en más profundidad, de momento en esta serie de artículos he encontrado una de las definiciones más valiosas para un fenómeno cada vez más creciente a escala global: el turismo cultural y la programación cultural como macroespectáculos.

La definición viene de la mano del director pedagógico de la 6º Bienal del Mercosur, Luis Camnitzer que dice "el maestro debe pasar de una posición en la que ostenta el monopolio del conocimento a la de agitador y catalizador. Las intuiciones son impredecibles y por lo tanto traen consigo el riesgo de lo subersivo, dado que no siempre se ajustan a los dictámenes del status quo. En vista de que últimamente los gobiernos han decidio que la subversión y el terrorismo son sinónimos, nadie quiere generar actos subversivos. Pero la función del buen arte es precisamente la de ser subversivo. Remueve los paradigmas fosilizados y pretende expandir el conocimiento. El énfasis en la producción de objetos efectivamente pasa por alto estos elementos. Las estructuras existentes están consolidadas y la sociedad, pacificada y aburrida. Este enfoque genera arte-Valium".

No sé si el concepto arte-Valium lo inventó este artista pero me apropio de él a partir de ahora, lo resume a la perfección.

Además en este artículo añade que la mayor parte de la educación artística actual es un fraude y que la definición actual de arte atenta contra los intereses de las personas. Hablando clarito.

NOTA1 Peri esta semana, como siempre, genial, gracias. En Madrid hace hoy un frio que pela...

Richter: entre lo analógico y lo digital

Richter, no el de la escala, sino Gerhard Richter es uno de los pintores occidentales con más nombre dentro del panorama artístico, tanto es así que algunos de sus cuadros se han llegado a subastar por cerca de 5,4 millones de dólares, es considerado como el "camaleón de la pintura" por su versatilidad, él mismo afirma que no persigue ninguna intención, no tiene ni sistema ni estilo, y a pesar de sus 73 años algunos críticos le han bautizado como "el Picasso del siglo XXI".

Ha pasado por el informalismo, la abstracción, el paisajismo, losretratos figurativos, el futurismo... pero me quedo con su toque más pop, rozando el kitsch, son sus pinturas basadas en fotografías utilizando [casi machaconamente] con muchísima maestría esa herramienta de Photoshop tan usada como es el desenfoque, su valía: que no utiliza dicha herramienta sino los pinceles, de ahí que en el libro [que ahora estoy leyendo] Arte digital y videoarte de Donald Kuspit le considere el puente entre el arte analógico y el digital. Realmente curioso.

Además como en la imagen de esta entrada [1964] recrea, a veces con cierta crítica, a veces con cierta nostalgia piezas relevantes de la contemporaneidad, en este caso Desnudo bajando una escalera [1912] del genio Marcel Duchamp haciéndola totalmente actual y como salida de un fotograma. Da un poquito de miedo.

¿Quién pintó esto?

Pues sí parece que al final va a ser un renacentista del siglo XXI, y es que el autor de esta acuarela Ready or not tot, no solamente pinta sino que es conocido como cantante, y no es otro que Marylin Manson. Su música ni siquiera me paré a escucharla, creo que no tiene mucho que ver conmigo y el personaje que se ha creado me produce cierta repulsa, pero reconozco que sus pinturas me gustan, la técnica creo que es buena, el empleo de los colores, el dibujo y el tema, tétrico como siempre, interesante y poco explotado.

Más obras

FUENTE: Yonquis.com

Mascotas Pekín 2008

Rastreando por internet, despejándome del trabajín, he encontrado las mascotas de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008 y me gustan mucho. Son un panda, un pez, la llama olímpica, un antílope y una golondrina [¿hay algo más poético?]. Creo que tienen mucho de manga.

Me gustan tanto en dibujo [ver], como infladidos en plástico [ver], aunque a mi admirado Mariscal no le gustaron nada [ver]. Creo que me encantan por recordarme a los Osos Amorosos.

Violencia y pobreza, ¿retrato latinoamericano?

La muestra Iberoamérica glocal que se encuentra en Casa de América [Madrid] hasta el próximo 9 de diciembre, según su propio catálogo pretende un recorrido por las artes visuales de Iberoamérica y el reflejo de lo local en lo global, y viceversa. Pero más bien, por las propuestas seleccionas, parece un mapa de la violencia, la pobreza y la marginación en latinoamérica, quizás el título debió ser otro.

Desde Colombia Wilger Sotela nos muestra en su obra Inventario II [2007] una serie de armas blancas y de fuego integradas en unos cuadros blancos con frases de los portadores de esos objetos, elevándolos a categoría de arte [aquello del objeto encontrado]. Su compatriota Juan Fernando Herrán juega al cazador cazado fotografiando a los helicópteros y avionetas que vigilan los campos de coca con la serie de fotografías Campos de Vistín [2005].

La mexicana Teresa Morgolles exculpe sobre una de las paredes el decálogo de los zetas, sicarios, amenazando a funcionarios, civiles o policías. Gastón Ugalde, de Bolivia, ofrece otra obra cuyo eje principal es la violencia, Justicia Comunitaria [2006], que consiste en una serie de monigotes colgados del techo, ahorcados, haciendo referencia al castigo que pueden sufrir los agregores a manos de la comunidad. Algo terrorífico, que puediera resultar bastante impactante sino fuera por lo casi risible de dichos muñecos, aún así para mí la propuesta más interesante. IMAGEN POST

Laura Belém desde Brasil también hace referencia a las penurias que se sufren al otro lado del Atlántico y con su vídeo Naufragio [2007], deja que por el efecto del agua vaya desdibujando una imagen, metáfora de los sueños que se dejan atrás en esas partidas por mar. Propuesta que nos recuerda a Kuitca en esta serie de obras, o a Emilio Moreno Blanco del que os hablé hace unos días.

El resto de los proyectos son más light como el juego del asesinado que puede descubrir quién fue su asesino en Private Eye [2006] de la portuguesa Noé Sendas, o la recreación de un mural de Torres García [uno de los grandes del arte latinoamericano] por parte de Jacqueline Lacasa [Uruguay].

Supongo que es accesorio decir que Latinoamérica es algo más que violencia y bolsas de pobreza, que el arte social y de denuncia me encanta pero me sorprendió que bajo un título tan general las propuestas se centraran tanto en estos temas.

NOTA1 Cada día Madrid me encanta más

Parpalló: arte levantino de mediados de siglo

En 1956 se crea en Valencia el Grupo Parpalló [me encanta este nombre], que deben su denominación a un yacimiento levantino, como unión de diversos artistas que durará hasta el año 61. Manifiestan su malestar por el aislamiento dentro del panorama artístico español y defienden su mediterraneidad y la independencia, dentro del grupo, de cada uno de sus componentes.

Claro ejemplo de dicha libertad creativa es la muestra Grupo Parpalló: 50 aniversario que permanecerá abierta hasta el próximo 2 de diciembre en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, donde nos encontramos con un recorrido casi completo por las tendencias más importantes del siglo XX pasadas por el filtro español. Así tenemos pinceladas cubistas con Juan Genovés o Agustín Albalat, geometrismo con Salvador Montesinos, organicismo con José María Labra, informalismo con Salvador Soria, además de la influencia del arte latinoamericano o africano, cierto gusto picassiano y muchas reminiscencias de la Bauhaus.

Como siempre ocurre en las visitas inesperadas esta exposición me deparó una gran sorpresa, encontrarme con 5 pequeñas piezas de uno de los escultores españoles que más admiro: Andreu Alfaro. Me gusta el empleo de materiales no nobles como el alumnio, esa ligereza en el empleo de las líneas curvas, lo sugerente, la limpieza en sus acabados y esos tonos plateados que parece que hubieran inspirado a Gehry en la construcción del Guggenheim de Bilbao. Y sobre todo me gusta su condición de autodidacta, de experimentador. Resaltaría de las 5 piezas la que lleva por título Plano curvo [1959] NO OBRA, MUY SIMILAR por reunir las características antes señaladas.

Y como nuevo descubrimiento que apuntaré en mi agenda para seguir investigando está el artista Monjalés con una estética lúgrube, mistérica en sus lienzos, con fondos negros y manchas de color pequeñas pero llamativas, como ocurre en su pieza El libro de la verdad [1961] NO OBRA, MUY SIMILAR que me recuerda mucho al genial creador argentino Guillermo Kuitca [otra de mis debilidades y mi puerta de entrada al arte contemporáneo].

Creo que por todo esto merece la pena acercarse a la exposición, por ver como trataron los levantinos las diferentes vanguardias mundiales y por seguir admirando a Alfaro.

NOTA1: "El arte significa un grito de alarma para los que tienen voluntad de salvación cuando el hoy -hecho de ayer- se resquebraja ante el mañana" [frase publicada en el revista del Grupo llamada Arte Vivo]

IMAGEN ESCULTURAS ALFARO EN LA EXPOSICIÓN DE GUSTAVO S. MIGUEL

Nubes, casitas, tulipanes...

En el mismo viaje al Centro Andaluz de Arte Contempóraneo [CAAC] descubrí a Tami Ichino, una joven japonesa [1978] que por sus trabajos parece no haber salido todavía de la infancia. Sus dibujos son de trazos simples, monocromos, básicos con temas como tulipanes, nubes, casas, molinos de viento... en tamaño din-a4 [vamos en folios], como en la primaria.

Gracias a todo esto crea una atracción que te deja pegado a sus cuadros y como en este caso en concreto al vídeo Haikus [2002], sé de uno que no se lo pasó como un niño chico viendo esos dibujos en movimiento y esos soniditos como de bebés aprendiendo a hablar.

Buen videoarte de nuevo [al final me aficiono a esta disciplina].

NOTA1 La imagen no corresponde con Ichino pero sí del CAAC, me hizo gracia, además no encontré ninguna foto de la obra que os digo. ¿Para cuándo el videoarte en internet?. Ah no, que Arroyo dice que el negocio es el negocio...

Lo que Arroyo soltó por la boca

Ayer, víspera de festivo, cansado de los vaines y con ganas de estar en casita con la llegada de los fríos me puse a hojear el Babelia [buen cambio de imagen] del fin de semana pasado. Al llegar a las páginas de arte me encuentro con un artículo del consagrado artista Eduardo Arroyo, que siempre había despertado mi simpatía tanto por sus obras como por su pasado antifrasquista [que le costó el exilio].

Pues en el artículo publicado el pasado sábado se despacha a gusto con el arte contemporáneo, con el arte de este nuevo siglo, con el llamado arte emergente, no sé si lo hace desde el resentimiento, desde la incomprensión, desde el gamberrismo o desde la suficiencia que le otorga que cualquiera de sus obras como poco se cotice a 60.000 euros.

Estas son algunas de las joyitas que el pintor soltó por la boca y con las que estoy en total desacuerdo por su simpleza y sus generalidades:

> "Lo de "promocionar a emergentes artistas españoles" aún produce en mí sarcasmo y estupefacción... y ¡ay del pobre que tenga que ser promocionado!"

> "Según don Alberto Ruiz de Samaniego, el comisario del Pabellón de España de la actual Bienal de Venecia, "es evidente en la actualidad que el mercado corrompe pero también hay que pensar en que produce sus propios efectos, como la desmaterialización de los objetos en media, a-media, multimedia, red". Me pregunto qué comunidad autónoma le habrá nombrado. No, mi querido amigo, el mercado del arte no corrompe. Lo que de verdad corrompe es esta retahíla de tonterías, de corrupción, de cinismo, de ignorancia, de injusticia, de subvenciones en la que estamos metidos."

> "Volvamos a la actualidad, al nuevo Arco, a lo que ha sustituido a aquella malísima gestión de Rosina Gómez Baeza y de sus potentes y temidas asesoras talibanas ya envejecidas inevitablemente porque de todos es sabido que lo que más envejece es la falsa modernidad y la seudovanguardia."

> "En el último Arco, distraído me confundí de puerta y ya casi entrando en el pabellón 7 me topé con un vídeo donde aparecía la extremidad de un hombre blandiendo una manguera de gran potencia, por lo que se adivinaba de la intensidad del chorro, que a tres metros de distancia regaba a una pobre desgraciada en pelotas. [...] ¿Una posible solución? Dividir los dos pabellones, con dos jurados diferentes. Los carrozas con los carrozas y los emergentes con los de la manguera."

Os recomiendo que leáis el artículo íntegro porque no tiene despercio leer el desprecio con el que se refiere al arte de los jóvenes creadores y como hace autobombo consigo mismo. Aún así mis respetos a este creador del siglo XX que creo tiene algunas genialidades.

NOTA1 Acabo de ver Persépolis podría formar parte de una buena muestra de videoarte, os la recomiendo

IMAGEN Retrato de Picasso de Arroyo