Fuegos artificiales en su tinta

Casualmente mirando exposiciones me he encontrado en el Guggenheim de New York la del chino Cai Guo-Qiang, es un artista que hace tiempo quería encontrar pero no conocía su nombre, solamente una performance que realizó en 2007 en Valencia, consistía en la quema de unos fuegos artificiales pero con pólvora negra, evidentemente, a plena luz del día. Me gustaron mucho las imágenes, estaban cargadas de dramatismo, muy relacionado con lo telúrico que tanto me gusta, así como el contrate de colores con ese cielo azul... todo como homenaje a las víctimas del 11M.

Pues gracias a esto he descubierto que el resto de su obra, o la que he encontrado, es igualmente interesante, juega con las creaciones efímeras, con intalaciones gigantescas, desafiando las leyes de la física, rodeado de espectacularidad, jugando con objetos de consumo, con lo onírico como protagonista y con grandes dosis de provocación.

Una de sus obras más impresionantes es Head ON [2006] una jauría de lobos parece que volaran de un sitio a otro formando un puente y van a estrellarse contra un crisis en relación a las barreras con las que se encuentra la población china. O la instalación que presenta en el Guggenheim, Innoportune donde recrea coches bomba [impresionante este vídeo de cómo se hizo]

Como en una gran parte de los artistas chinos reparte la atracción entre lo espectacular, el show, la grandilocuencia y la crítica social [rica combinación]

NOTA1 Esta es una de las notas más importantes de las que he puesto en todo el blog, y es que el martes me piro a León a una entrevista para el MUSAC, tengo muchas ganas, muchos nervios y muchas ilusiones, de momento he sido preseleccionado... así que a todo el que pase por aquí que el día 22 a las 13h me mande una poquita de energía ;)

Parpalló: arte levantino de mediados de siglo

En 1956 se crea en Valencia el Grupo Parpalló [me encanta este nombre], que deben su denominación a un yacimiento levantino, como unión de diversos artistas que durará hasta el año 61. Manifiestan su malestar por el aislamiento dentro del panorama artístico español y defienden su mediterraneidad y la independencia, dentro del grupo, de cada uno de sus componentes.

Claro ejemplo de dicha libertad creativa es la muestra Grupo Parpalló: 50 aniversario que permanecerá abierta hasta el próximo 2 de diciembre en el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, donde nos encontramos con un recorrido casi completo por las tendencias más importantes del siglo XX pasadas por el filtro español. Así tenemos pinceladas cubistas con Juan Genovés o Agustín Albalat, geometrismo con Salvador Montesinos, organicismo con José María Labra, informalismo con Salvador Soria, además de la influencia del arte latinoamericano o africano, cierto gusto picassiano y muchas reminiscencias de la Bauhaus.

Como siempre ocurre en las visitas inesperadas esta exposición me deparó una gran sorpresa, encontrarme con 5 pequeñas piezas de uno de los escultores españoles que más admiro: Andreu Alfaro. Me gusta el empleo de materiales no nobles como el alumnio, esa ligereza en el empleo de las líneas curvas, lo sugerente, la limpieza en sus acabados y esos tonos plateados que parece que hubieran inspirado a Gehry en la construcción del Guggenheim de Bilbao. Y sobre todo me gusta su condición de autodidacta, de experimentador. Resaltaría de las 5 piezas la que lleva por título Plano curvo [1959] NO OBRA, MUY SIMILAR por reunir las características antes señaladas.

Y como nuevo descubrimiento que apuntaré en mi agenda para seguir investigando está el artista Monjalés con una estética lúgrube, mistérica en sus lienzos, con fondos negros y manchas de color pequeñas pero llamativas, como ocurre en su pieza El libro de la verdad [1961] NO OBRA, MUY SIMILAR que me recuerda mucho al genial creador argentino Guillermo Kuitca [otra de mis debilidades y mi puerta de entrada al arte contemporáneo].

Creo que por todo esto merece la pena acercarse a la exposición, por ver como trataron los levantinos las diferentes vanguardias mundiales y por seguir admirando a Alfaro.

NOTA1: "El arte significa un grito de alarma para los que tienen voluntad de salvación cuando el hoy -hecho de ayer- se resquebraja ante el mañana" [frase publicada en el revista del Grupo llamada Arte Vivo]

IMAGEN ESCULTURAS ALFARO EN LA EXPOSICIÓN DE GUSTAVO S. MIGUEL

Los ladridos de Puppy

Raramente se ve en un periódico generalista como El País una explicación sobre una obra donde se dé a los lectores las herramientas necesarias para su interpretación. Bien es cierto que los párrafos están extraídos de un especial sobre el X aniversario del Guggenheim de Bilbao de 7 páginas donde es más fácil profundizar.

Puppy, el perrito que está ubicado en la entrada del Museo, obra de Jeff Koons y que aparece en la imagen de este post, es el afortunado y de él dicen:

"Desde que en 1997 un cachorro terrier de 12 metros de altura, armado en acero inoxidable y revestido de flores, vigiló la explanada que da entrada al Museo Guggenheim de Bilbao creando la leyenda de que un ladrido es la mejor lengua vernácula, nuestro sentido del arte como algo universal, misterioso y extraño se ha transformado en algo hogareño, domesticado, estandarizado. Sin embargo, Puppy, como se conoce a la mascota, también es capaz de proyectar el espejismo del cambio, con sus espectaculares y costosas mudas de piel. La misma inercia que llega a través de las multinacionales y todas las excitaciones artificiales del consumo. Cualquier objeción a un arte faldero y familiar, herméticamente sellado por los grandes emporios museísticos, palidece ante la legión de intelectuales, coleccionistas y mecenas de la moda que tratan insistentemente de persuadirnos de que ésta es, desde luego, la cultura más democrática y plural, la más "alta" posible.

El gigantesco adorno ideado por Jeff Koons da la espalda al triunfal edificio de Frank O. Gehry, testigo del reordenamiento del esceanrio y decorados de una ciudad que revive sobre las ruinas de lo viejo. El cadillo, que cambia lentamente, durante nueve meses, los tonos verdosos de su piel, podría ser de cualquier parte. Pero ahí está justamente el quid, no puede pertenecer a cualquier lugar. La cociencia de Puppy de lo regional está claramente registrada en una sociedad concreta y, desde luego, encontrará reconocimiento allí donde se encuentre, como bibelot sobre una mesa camilla, un imán de nevera o una goma de borrar".

NOTA1 Este post además tiene el sentido de que mis amigos vean que no soy el único al que se le va la cabeza describiendo obras y por los recuerdos de tiempos de calma que me trae el Guggenheim Bilbao

Recordando... Mario Merz

Con el hastío estival he relajado mi costumbre de acudir a exposiciones, entre sueño, calor y no parar nunca en casa... así que hoy para no perder la comba del blog he decidido dedicarle la entrada a uno de mis artistas favoritos del siglo XX, junto con Tàpies, Mario Merz.

Este italiano pertenece a la corriente del Arte povera italiano, que se centró en el uso de novedosos materiales en el arte, materiales pobres como madera, paja, tejidos, hilos, hierro... primando el proceso de elaboración frente al resultado final siempre tosco, poco acabado, lo que muchos llamarían una mala factura.

Tuve dos coincidencias con este artista:

- Cuando todavía no sabía de su existencia estuve elaborando un proyecto artístico para un concurso, mi propuesta giraba alrededor de la construcción de un iglú, después descubrí que Mario Merz utilizaba esta figura en sus creaciones casi exclusivamente.

- La obra de este post Ciudad irreal, mil novecientos ochenta y nueve me alucinó cuando la ví en algún libro o catálogo y de repente la primera vez que visité el Guggenheim y al dar la vuelta a un pasillo la encontré sin saber que estaba allí. Qué buen día!

Creo que es una corriente artística un tanto olvidada que influyó de forma decisiva en otras corrientes, de la que hay poco escrito y poco documentado, y se echa de menos.

La Juana Mordó en blanco y negro

Una de las salas a las que siempre voy y siempre pienso que sería el lugar perfecto para exponer, aunque para esto me tendré que poner a pintar algo antes, es la sala Juana Mordó que pertenece al Círculo de Bellas Artes pero que no está integrada en su mismo edificio. Es una galería pequeña, en un sótano, blanco blanquísimo y con una cierta sensación de humedad [no hay que pensar en nada cutre, sigue siendo el Círculo].

Dicha sala acoge la exposición de fotografía en blanco y negro Retrato de la memoria del coreano [nos estamos encasillando] JOO MYUNG-DUCK, donde recoge una serie de instantáneas sobre la arquitectura tradicional coreana. Según el autor: "la fotografía debería situarse por encima del resto de disciplinas artísticas. Y eso no debe asustar al fotógrafo. La fotografía puede superar a los demás géneros porque tiene que ver con la construcción de la realidad”.

Discrepo con esta frase y de ahí mi pelea constante con la fotografía realista y mI reticencia a este tipo de exposiciones que me acaban aburriendo a pesar de mis dos años de estudios de fotografía, me gusta más la ensoñación, el trabajo de estudio, la imaginación, la evocación, el proceso creativo anterior y posterior, quizás es que vivo un palmo por encima del suelo y ver fotografiada la realidad actual me asusta.

NOTA1 El viaje a Bilbo estuvo cargadito de surrealismo y lo más cerca que estuve del arte fue ver el Guggenheim desde el coche, de noche, sin iluminar y con un frío pelón... aún así me encantó.