contemporaneiz[arte]

Sala de reflexión y debate acerca del arte contemporáneo, del arte del presente, del arte emergente y de sus nuevas formas de expresión, arte por tanto del siglo XXI heredero directo del prolífico arte del siglo XX

29 octubre 2007

Videocreaciones a la cartujana

De nuevo embarcado en las locuras del Peri nos plantamos en en un momentito en Sevilla, gracias al AVE del Juanji, con ganas de sol, de paseos, de buenas energías y de ver la exposición Geopolíticas de la animación de la que algo había escuchado.

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, que alberga la muestra hasta el 31 de marzo del año que viene, definitivamente es uno de los más espectaculares que he visto, por su ubicación en La Cartuja sevillana, por la mezcla de la tradición y la modernidad y por esos jardines y arquitectura impresionantes.

Como siempre pasa en el videoarte creo que a los comisarios se les va la mano, es imposible poder ver a los 55 artistas que componen la exposición y sus propuestas en un día normal de visita al museo, no hay margen ni a la reflexión ni tan siquiera al visionado completo de los vídeos. Esto no excluye que en este caso se haga una panorámica a mi juicio muy acertada de la animación desde sus comienzos hasta su evolución y mezcla con el videoarte.

El comisario Juan Antonio Álvarez Reyes ha reflejado perfectamente las características del arte del siglo XXI en los vídeos seleccionados como la multiculturalidad con gran cantidad de artistas asiáticos o africanos, la globalización, el sentido del humor como centro de muchas propuestas, el empleo de las últimas tecnologías aplicadas a la creación, buenas ideas desarrolladas con escasos medios, la ecología, las guerras, la crítica a los media, etc., etc.

Podría destacar muchas obras, pero para no aburrir destacaré tres por su originalidad, el impacto que provocan y el conocimiento de la técnica.

En la primera de la piezas a resaltar nos remontamos al año 1902 con el español Segundo de Chomón y su vídeo Los kirikí, acróbatas japoneses, donde una familia nipona [o disfrazados de nipones] hacen equilibrios circenses imposibles pero con truco, gracioso e ingenioso para la época. El segundo trabajo que quiero destacar es un conjunto de animaciones hechas en plastilina del que podemos ver tanto el resultado final, el vídeo, como las maquetas originales en las que se rodaron las piezas bajo el título La multitud de los transeúntes [2004] del chino Zhou Xiaohu. Un trabajo imposible con escenas en las que intervienen hasta 50 personajes, realizado frame a frame, tratando temas de actualidad como el atentado contra las Torres Gemelas o una redada en un prostíbulo.

Y por último la más divertida, la más original, donde lo pasamos como niños pequeños y donde me reconcilié con el arte interactivo que tan nervioso me pone, la obra Sin título [2006] de la india Shilpa Gupta. Una sala cuadrada, una pantalla en blanco, máximo tres personas, al entrar tu silueta se proyecta en la pared y empiezan a salir personas ficticias de un lado y de otro, a interactuar con el espectador hasta tal punto de poder dirigir aun mini-yo como si fuera una pelota que va de una mano a otra.

Podría extenderme mucho más en artistas y en obras, quizás en otros posts rescate a algunos, la sensación es la de una buena muestra, la de un ambiente propicio para su montaje, y la de faltar tiempo para disfrutarla más.

NOTA1 Gracias de nuevo Peri por estos viajes, por tu compañía. Me gustó mucho volver a ver a Adrián, me hace sentir a gusto, espero que vengan muchas más. Yo ya he puesto una velita...

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24 octubre 2007

Los ladridos de Puppy

Raramente se ve en un periódico generalista como El País una explicación sobre una obra donde se dé a los lectores las herramientas necesarias para su interpretación. Bien es cierto que los párrafos están extraídos de un especial sobre el X aniversario del Guggenheim de Bilbao de 7 páginas donde es más fácil profundizar.

Puppy, el perrito que está ubicado en la entrada del Museo, obra de Jeff Koons y que aparece en la imagen de este post, es el afortunado y de él dicen:

"Desde que en 1997 un cachorro terrier de 12 metros de altura, armado en acero inoxidable y revestido de flores, vigiló la explanada que da entrada al Museo Guggenheim de Bilbao creando la leyenda de que un ladrido es la mejor lengua vernácula, nuestro sentido del arte como algo universal, misterioso y extraño se ha transformado en algo hogareño, domesticado, estandarizado. Sin embargo, Puppy, como se conoce a la mascota, también es capaz de proyectar el espejismo del cambio, con sus espectaculares y costosas mudas de piel. La misma inercia que llega a través de las multinacionales y todas las excitaciones artificiales del consumo. Cualquier objeción a un arte faldero y familiar, herméticamente sellado por los grandes emporios museísticos, palidece ante la legión de intelectuales, coleccionistas y mecenas de la moda que tratan insistentemente de persuadirnos de que ésta es, desde luego, la cultura más democrática y plural, la más "alta" posible.

El gigantesco adorno ideado por Jeff Koons da la espalda al triunfal edificio de Frank O. Gehry, testigo del reordenamiento del esceanrio y decorados de una ciudad que revive sobre las ruinas de lo viejo. El cadillo, que cambia lentamente, durante nueve meses, los tonos verdosos de su piel, podría ser de cualquier parte. Pero ahí está justamente el quid, no puede pertenecer a cualquier lugar. La cociencia de Puppy de lo regional está claramente registrada en una sociedad concreta y, desde luego, encontrará reconocimiento allí donde se encuentre, como bibelot sobre una mesa camilla, un imán de nevera o una goma de borrar".

NOTA1 Este post además tiene el sentido de que mis amigos vean que no soy el único al que se le va la cabeza describiendo obras y por los recuerdos de tiempos de calma que me trae el Guggenheim Bilbao

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22 octubre 2007

Videarte, solecito y la luna...

Con el ánimo de retomar este abandonado [momentaneamente] blog me pasé por una de las plazas y lugares que menos me gusta de mi adorado Madrid, la Plaza de la Luna, y en la que por primera vez me sentí agusto.

La organización del Festival Edición Madrid de Nuevos Creadores [FEM] había ocupado la remodelada plaza con más o menos una veintena de contenedores de obras, en los que por sorpresa y decepción de algunos no había rumanos cambiándose para entrar al tajo, sino videoarte y arte joven. Me gustó el ambiente que se genera entre la gente del barrio y los modernos, las sorpresas que podían esperar al descorrer las cortinas negras de cada cubículo, la presencia de los artistas, las hamacas para el solecito... me gustó.

La muestra se dividía por un lado en Poetic Terrorism y en Campos de Fuerza.

De Poetic Terrorism, una exposición centrada en el terrorismo a escala mundial, sales con sonidos de gritos, de críticas a los medios de comunicación, a los gobernantes, con músicas casi de películas de terror y de víctimas, muchas víctimas.

Destacaría de esta primera parte a Van Der Heijder [Holanda] que con su pieza América [2004] ofrece unos recortes del irresponsable Bush repitiendo una y otra vez la palabra América en diversas situaciones, consiguiendo la comicidad sino fuera por lo detestable del personaje. O el vídeo de Robery Boyd [EE.UU.] Heaven's Little Helper [2005] donde aparecen imágenes idílicas de personas pertenecientes a diferentes sectas o religiones, de niños sonrientes con una canción frívola de fondo, pero a mitad del vídeo y casi sin darte cuenta aparecen horribles imágenes de los integrantes de esas mismas sectas que han practicado el suicidio colectivo y sin variar la música, muy buen montaje.

Por otro lado Campos de Fuerza se centra en la seguridad de nuestros días y sus mecanismos de control. En esta ocasión pasamos del videoarte a instalaciones, pintura, fotografía de jóvenes creadores españoles/latinoamericanos.

Me gustaron las propuestas de Abel Barroso [Cuba] con una serie de lienzos sin bastidor, no sé si por su sencillez o por su plasticidad pero me llegaron bastante esas tres pinturas de fortalezas. O las fotografías de Juan de Marcos, de una gran sencillez, limpieza de líneas y casi frialdad, representando momentos cotidianos que aparentemente guardan una gran quietud pero que pueden representar situaciones de tensión que el espectador debe imaginar.

Por último destacar que la obra que me parecía más original fue la presentada de Emilio Moreno Blanco. La cosa parece muy sencilla, entras en el contenedor y ves caer agua desde el techo atravesando lo que puede ser un cuadro. Pues bien en esta obra titulada Palabaras sin final predecible [2007] el artista trata de romper con la rigidez de las propuestas artísticas, con la imposición por la fuerza de la mirada del creador, por ello deja correr el agua sobre el cuadro para que los pigmentos se diluyan, vayan desapareciendo las figuras y el espectador sea libre.

NOTA1 Espero coger esto de nuevo con fuerza, un abrazo a todas/os

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